Grandes leyendas del cine de los 80 Reina del grito indiscutible y final girl que marcó a toda una generación, Nancy Loomis ha recibido el Premio WomanInFan en una cálida gala llena de aplausos y vítores. La legendaria actriz, chica Carpenter por antonomasia, acreditada en varias de sus películas como Nancy Kyes, ha recibido el entorchado ante un Auditorio de generosa cinefilia que la recuerda en títulos tan impresionantes como Asalto a la comisaría del distrito 13, La niebla y La noche de Halloween. Agradecida y emocionada, Loomis ha levantado el Premio en una jornada donde también ha compartido diálogo con otra monarca inimitable del cine de género norteamericano: Barbara Crampton. El evento se ha celebrado en el Hotel Meliá ante la mirada atenta del público dentro del marco de MaestrAs, gran iniciativa de este año que, como ya recordamos en anteriores comunicaciones, apuesta por la presencia y la difusión de creadoras de primera línea del cine fantástico y de terror contemporáneo. Paralelamente, el gran director de culto de los 80, Joe Dante, también ha impartido una charla en formato encounter moderada por nuestro director artístico, Ángel Sala, donde le ha tomado la temperatura al actual cine fantástico y de terror revisando, de paso, las glorias de su estelar trayectoria como director. Estamos hablando de auténticas gamberradas de género como Gremlins, Aullidos, Pequeños guerreros o una joya del exploitation de los años 70 tan disfrutable como Piraña, el casi debut de Dante que reescribía la totémica Tiburón de Steven Spielberg amplificando el sentido del humor de la amenaza submarina en localidad veraniega. Como no podía ser de otra forma, el plantel de grandes nombres y apellidos ha seguido augmentando con otro esperado encounter. El mítico cofundador de la Troma, Lloyd Kaufman, ha protagonizado un encuentro irrepetible. Esta leyenda del cine trash, presente en la cartelera de hace dos semanas con un gozoso cameo en el remake de El vengador tóxico, y pieza clave de la sección Sitges Documenta de este año con el ya anunciado documental Occupy Cannes!, dirigido por su hija Lily Hayes Kaufman; ha interactuado con un público que recordaba con pasión la versión original de El vengador tóxico, codirigida por Michael Herz y el propio Kaufman, una obra capital de Troma Films y, tal vez, la mejor parodia bastarda que se ha hecho del Hulk de la Marvel. |
 | | Segundo día de Festival con el corazón aún robado tras el triunfo de ayer. Vamos a ir a dormir con las imágenes latentes de Maestros como Julia Ducournau, Carmen Maura y Mary Harron... Y nos hemos levantado con más cine y más hitos. Por el Meliá de Sitges han pasado hoy leyendas como Joe Dante, Barbara Crampton y Nancy Loomis, ganadora del Premio WomanInFan ante un Auditorio lleno a rendir que se ha rendido en aplausos. Mientras tanto, tenemos una pregunta en la cabeza: ¿cuál ha sido vuestra primera película del Festival? ¿Y vuestra agenda para los próximos días? Nos podéis etiquetar en las redes con los hashtags #Sitges2025 y #Quever. |  | | ¡Qué cara a cara se han marcado dos leyendas del terror de los 80! Barbara Crampton y Nancy Loomis han protagonizado un nuevo encuentro de la iniciativa MaestrAs. La primera, figura indispensable de Re-Animator, y la segunda, chica Carpenter de La niebla o La noche de Halloween, han abierto el cofre de la memoria cinéfila ante una sala llena de asistentes privilegiados. Loomis y Crampton han recordado directores míticos del cine de género de los 70 y 80 como John Carpenter y Stuart Gordon sin perder de vista la importancia del rol de la mujer hoy en día y su presencia cada vez mayor en producciones de fantástico y terror que compiten en el circuito de los festivales internacionales. Sin embargo, ambas actrices han reconocido que aún queda mucho trabajo por hacer en términos de igualdad y oportunidades. |
| | | | Si hay tres reglas nocturnas que han quedado tatuadas en el imaginario colectivo, sin duda son aquellas que se saltan a la eterna Gremlins. Es lo que pasa cuando mojas el monstruo, lo expones a la luz o la alimentas pasada la medianoche. ¡Se libera la fiesta y ya no hay marcha atrás! Esta tarde, el director de culto Joe Dante, pilar fundamental de las comedias de terror del cine contemporáneo, ha ofrecido una charla que, más que un encuentro, ha sido la masterclass de una leyenda viva del séptimo arte. Dante ha recordado sus inicios como director emergente de la escuela Corman, su deseo de hacer westerns en una época en la que lo encasillaron como creador de lo fantástico, y ha compartido la anécdota de que el extravagante millonario que aparece en Gremlins 2, interpretado por un John Glover con un déficit severo de neuronas, está inspirado en Donald Trump! Dante ha aprovechado la cita para denunciar la crisis política que vive actualmente los Estados Unidos. |
| | | | Algo maléfico se esconde en la oscuridad... Bajo la luz de la luna. Ves algo que casi te detiene el corazón. Intentas llamar, pero el terror ahoga el sonido antes de que lo puedas emitir! Empiezas a congelarte, mientras el horror te mira directamente a los ojos... Estás paralizado, porque eso no es Thriller, sino la Zombie Walk 2025! Mañana, los no-muertos más infectados de todo el mundo caminarán sobre la faz de la Tierra. Recuerda que, para lucir tu mejor aspecto monstruoso, dispones de un espacio de maquillaje gratuito a partir de las 12 h. en la Meeting de la King Kong Area, y que la caminata –que llega a su 16ª edición patrocinada por Frit Ravich– comienza a las 20 h. |
| | | | Fanzín de referencia del fantaterror desde 2005, El buque maldito ha dejado huella en el ámbito de la divulgación cinematográfica como una revista indispensable para todo amante del cine de género. Su editor, Diego López-Fernández, responsable de la sección Brigadoon del Festival, es el gran arqueólogo de este proyecto dedicado a la investigación rigurosa de directores, actrices, actores, compositores, cartelistas e incluso técnicos de efectos visuales de la talla de Álex de la Iglesia, Helga Liné, Juan Piquer Simón, Paul Naschy, Teresa Gimpera, Gianneto de Rossi o José Mojica Marins. No es casualidad que, a la manera de un homenaje, el fanzín lleve el nombre de la película homónima de Amando de Ossorio, un clásico de la serie B española de los 70 conocido por sus sangrientos monjes templarios. El caso es que el nuevo número de El buque maldito no es un fanzín, sino un libro para celebrar sus veinte años de existencia, con prólogo de Paco Plaza! Se presenta mañana a las 12 h. en la carpa FNAC, frente al Meliá de Sitges, y cuenta para la ocasión con una veintena de entrevistas para celebrar la memoria del mejor fantaterror español. |
| | | | ¡Cómo nos gusta acercarnos a la Sala Tramuntana! No sólo por la calidad de las películas que se proyectan y el talento que acoge, sino también por la llegada de una iniciativa radiofónica deliciosa. Se trata de Horror Guasa, el pódcast que celebran los colaboradores de la Sala Tramuntana, situada en el Hotel Meliá de Sitges. Mucho humor y mucha pasión para un proyecto que se emite cada día a las 10 h hasta el 20 de octubre. Podéis escuchar el programa en Radio Montmeló y seguirlo en las redes y Spotify. ¡No tiene pérdida! |
| | Perros, fuentes y ceniceros |
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 | Ya sabéis que la sostenibilidad se construye entre todas y todos. Por ello, desde Sitges, recomendamos que utilice ecogotos reutilizables durante el Festival para prevenir la acumulación de residuos plásticos. Sólo cuestan un euro y se pueden llenar en cualquiera de las fuentes públicas de la ciudad. Digámoslo de pasada, los vasos se pueden devolver a las taquillas de Renfe y al Hotel Meliá. Además, como novedad, este año distribuimos gratuitamente ceniceros portátiles para evitar colillas en el suelo. Se distribuyen en el stand de sostenibilidad de la zona Meeting, frente a la Av. Balmins. |
| | |  | El programa líder nacional de la tarde radiofónica, La Ventana con Carles Francino, se ha emitido en directo desde el SITGES – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña. La actualidad, la sociedad y la cultura se han conjurado en el Hotel Meliá dentro del marco de nuestro estimado certamen, referente mundial del cine de género. Para una ocasión tan especial, el programa ha contado con la participación de talentos del cine y la comunicación como J. A. Bayona, Javier Coronas, Laura Pedro, Albert Dalmau, Pepa Blanes, Iasías Lafuente y nuestro director artístico, Ángel Sala. | | | |  | Para acabar, y no por ello menos importante, recuerde que durante los días de Sitges iremos publicando pequeños vídeos sobre todo lo que pasa en cada espacio del Festival. A través de nuestro canal de YouTube y las redes, hacemos un repaso dinámico y divertido centrándonos en los mejores momentos que nos está regalando nuestro estimado certamen de cine fantástico y de terror. |
 | Impulsado por Fundación SGAE y Festival de Sitges | Ángeles Huerta, I Premio Josefina Molina de Guion de Largometrzaje Fantástico de Autoría Femenina |
| Con su obra 'Lampreas’, seleccionada entre 31 propuestas internacionales por su mirada femenina, calidad literaria y originalidad dentro del género, el acto oficial de entrega es hoy, a las 22.45 h., en el Auditorio Meliá Sitges |
|  | La cineasta y guionista Ángeles Huerta ha sido la ganadora del I Premio Josefina Molina de Guion de Largometraje Fantástico de Autoría Femenina, con su obra Lampreas. Este nuevo galardón, creado por Fundación SGAE y el Sitges - Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya, nace con el objetivo dar voz y visibilidad a las guionistas dentro de un género todavía fuertemente masculinizado. El premio tiene una dotación de 10.000 euros. Tras conocer el fallo, Ángeles Huerta ha expresado que es “una alegría enorme. Soy consciente de que el nivel de las autoras de fantástico en España es cada vez más alto. Y no me extraña. El cine de género es el más libre y el más disruptivo, es normal que muchas lo elijamos como forma de expresión. Además, me encanta la idea de reivindicar una estirpe de creadoras en este ámbito específico, mujeres que ya exploraron lo siniestro cotidiano, una corriente subterránea que ahora comienza a salir a la luz”. El jurado ha destacado el guion “por su originalidad y calidad literaria dentro del género fantástico, así como por construir una historia en la que el rasgo femenino tiene una importancia singular, explorando conceptos como el del cuerpo y la cualidad de lo monstruoso”. Lampreas se ha impuesto a 31 guiones originales presentados, procedentes de España e Iberoamérica, lo que confirma el interés y la necesidad de abrir nuevos espacios para la creación femenina en el ámbito del cine fantástico. La proclamación del veredicto ha tenido lugar esta mañana, en el marco del programa Woman in Fan del certamen cinematográfico, y durante la mesa redonda Ellas escriben, ellas dirigen: Nuevos talentos femeninos en el cine fantástico. En esta sesión ha participado la propia Huerta, junto a Inés París, guionista, directora y vicepresidenta de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) por el Colegio del Audiovisual; Mònica Garcia i Massagué, directora general de la Fundación Sitges, Ángel Sala, director artístico del Festival y miembro del jurado Josefina Molina, y Rubén Gutiérrez, director general de la Fundació SGAE. El galardón rinde homenaje a la trayectoria de la pionera Josefina Molina, directora y guionista de Vera, un cuento cruel (1973), y nace con vocación de continuidad en futuras ediciones. El cine de género femenino, la respuesta a una vulnerabilidad real
La directora y guionista (O corpo aberto, Esquece Monelos) también ha reflexionado sobre el papel de la mujer en el fantástico y la importancia de su mirada singular: “El cine de género femenino es la respuesta a una vulnerabilidad real. Hay una experiencia del cuerpo y de la familia que es radicalmente femenina y que constituye un terreno fértil para el fantástico. La sociedad todavía te coloca en un lugar distinto, que genera otras perspectivas. Hay una estética y una erótica propias, porque tenemos una experiencia del cuerpo —y unas fobias— diferentes a las masculinas. Por otro lado, creo que venir de la periferia también aporta. Está claro que sólo podemos aspirar a contar historias universales desde lo radicalmente particular”.
Preguntada en una entrevista con Fundación SGAE sobre qué la motivó a presentar Lampreas al premio, Huerta ha explicado que la convocatoria llegó en un momento clave de su proceso creativo: “ya estaba trabajando en la idea de la película antes de que convocaran el premio, pero, obviamente, un galardón de estas características me animó a bajar todas esas ideas a tierra. El hecho de que el Festival de Sitges fuese una de las entidades convocantes me espoleó a intentarlo, a pesar de todas las dudas e inseguridades. Creo que es muy importante dar visibilidad a un proyecto como éste en un lugar como Sitges, que es la meca a la que todos los fans del género aspiramos a acudir”. Jurado y entrega oficial del galardón
El jurado del I Premio Josefina Molina de Guion de Largometraje Fantástico de Autoría Femenina lo han integrado María Adell, docente y crítica de cine; Violeta Kovacsics, historiadora y crítica de cine; Elisa Puerto, guionista y script doctor; Ángel Sala, director artístico del Festival de Sitges, y César Sodero, cineasta y ganador del XIX Premio SGAE de Guion Julio Alejandro.
El acto oficial de entrega del premio tendrá lugar esta noche (22.45h) en el Auditorio Meliá Sitges, presidido por Inés París y Mònica Garcia i Massagué, y finalizará con la proyección del film La hermanastra fea, de la cineasta noruega Emilie Blichfeldt. Con esta iniciativa, la Fundación SGAE y el Festival de Sitges reafirman su compromiso de género, con la igualdad de oportunidades y la excelencia creativa, con una mirada más plural e inclusiva dentro del universo fantástico. Acerca de ‘Lampreas’
En un mundo postcolapso, Eugenia es sometida a atroces tratamientos de fertilidad para dar un heredero a su marido. Armando, dueño de una rudimentaria empresa farmacéutica, está obsesionado con tener descendencia. La llegada de un atractivo marino mercante, Telmo, coincide con la aparición de una serie de cadáveres aparentemente desangrados por una lamprea gigante. Eugenia, dividida entre el terror y el deseo, encontrará en estos crímenes la oportunidad de descubrirse a sí misma. Acerca de Ángeles Huerta
Nacida en Xixón en 1974, Ángeles Huerta es directora y guionista, diplomada en Dirección Cinematográfica por la Met Film School de Londres. Debutó en el largometraje con el documental creativo Esquece Monelos (Olvida Monelos) (2017), galardonado con la Mención Especial del Jurado en Documenta Madrid y con tres premios Mestre Mateo de la Academia Galega do Audiovisual. La película también le valió una nominación a los Premios Feroz en 2018. En 2022 estrenó O Corpo Aberto, su primera incursión en el cine de género, un guion desarrollado en el VII Laboratorio de Escritura de Guion de Cine 2019 de Fundación SGAE. Tras su estreno en el MotelX de Lisboa y su recorrido por festivales como la Seminci o el FICX, la obra alcanzó gran éxito al obtener 12 premios Mestre Mateo, cifra récord. En 2025 ha estrenado Antes de Nós, un proyecto de encargo que revisita dos episodios de la vida de Daniel Castelao, considerado el padre del nacionalismo gallego, con guion de Pepe Coira. Acerca de Josefina Molina
Josefina Molina (Córdoba, 1936) fue la primera mujer en obtener el título de Dirección en la Escuela Oficial de Cinematografía y Goya de Honor en 2012 por su contribución al cine español. Su carrera ha combinado trabajos para el cine y la televisión. Entre todos ellos destaca su ópera prima, Vera, un cuento cruel (1973), con la que se atrevió con el género fantástico, convirtiéndose en la primera creadora del género del Estado. Sin embargo, fue en 1981 con Función de noche cuando alcanzó el éxito profesional. Otras de sus obras son: Esquilache, Lo más natural o La Lola se va a los puertos. Su filmografía incluye también cuatro cortometrajes: La otra soledad (1966), Aquel humo gris (1967), Melodrama infernal (1967), y La rama seca (1972). En televisión dirigió destacadas producciones como Escrito en América, Teatro de siempre, El camino, Teresa de Jesús y Entre naranjos, entre otras. Ha recibido varios galardones a lo largo de su carrera, como el premio Mujer de Cine, que otorga el Instituto de la Mujer, y es presidenta de honor de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA).
 | Urkijo y Blichfeldt reescriben el folclore en clave femenina |
| ¡Impresionante batería de títulos en la jornada de hoy! Películas como Gaua, de nuestro camarada Paul Urkijo, y La hermanastra fea, de la debutante Emilie Blichfeldt, han abordado la cuestión de género reescribiendo la tradición en clave femenina y desplegando un brillante sentido del fantástico. También ha llegado la gran sensación de Sitges de este año, la original Good Boy de Ben Leonberg, un cuento de casas encantadas contado con mirada canina. Como colofón, el veterano actor mexicano Hugo Stiglitz ha recibido el Premio Nosferatu 2025. |
|  | Una casa encantada con mirada canina ¿Por qué a veces los perros se quedan pasmados mirando fijamente hacia un lugar donde no hay nada o ladran sin motivo? En 2009, la maravillosa película Up de Pixar nos ofreció una respuesta posible en forma de gag. Cuando el perro se queda quieto apuntando en una dirección concreta es porque, probablemente, sospecha que allí se esconde una… ¡Ardilla! No obstante, existen otras respuestas más oscuras y tenebrosas que ésta. La película Good Boy, muy comentada estos días en la salida del Auditorio del Meliá, es la ópera prima del director Ben Leonberg, coescrita con el guionista Alex Cannon, que aprovecha la incógnita de la mirada perruna para narrar un terrorífico cuento de casas encantadas con la particularidad high-concept de que está contado desde la dulce mirada de Indy, un adorable cachorro de retriever que se acaba de mudar a una casa en el campo con su dueño Todd, interpretado por el actor Shane Jensen. Allí, descubre que la vivienda está plagada de misteriosas presencias y deberá luchar contra las fuerzas malignas que quieren llevarse a Todd. Como curiosidad, el perro protagonista es el animal de compañía del director. Leonberg lleva gestando el proyecto de convertirlo en estrella de cine desde hace años y por fin lo ha conseguido con una propuesta que está dando mucho que hablar tras su proyección como película a competición en la Sección Oficial Fantàstic. Sin duda, Good Boy es una de las grandes atracciones de esta 58ª edición. |
|  | Gran icono del cine mexicano Es fácil que el nombre de Hugo Stiglitz resuene en la memoria de muchos espectadores. Sus letras aparecen enormemente rotuladas en una escena de ironía posmoderna de la fabulosa Malditos Bastardos de Quentin Tarantino donde se presenta en formato cómic a un soldado exnazi renegado que el actor alemán Til Schweiger interpretó en 2009. Este detalle agranda todavía más la figura del actor que hay detrás de la referencia. El actor Hugo Stiglitz, icono del cine mexicano de los años 70, ha recibido en el Auditorio del Meliá el Premio Nosferatu a sus 85 años. Su filmografía suma más de 100 títulos, entre los cuales destacan verdaderas joyas de la serie B como ¡Tintorera!, La noche de los mil gatos, La isla encantada, El llanto de la tortuga o Supervivientes de los Andes. Stiglitz ha trabajado a lo largo de su fecunda trayectoria actoral con directores tan reivindicables en nuestro querido Festival como René Cardona, José Antonio de la Loma, Umberto Lenzi o Gonzalo Martínez Ortega. El público más fanático de los golpes y acrobacias en pantalla ha presenciado la entrega del Nosferatu al gran Stiglitz justo antes de que se proyectara la esperadísima The Furious, uno de los títulos de acción apabullante más importantes del año. Dirigida por el actor Kenji Tanigaki, experto en coreografiar artes marciales, esta coproducción entre China y Hong Kong filmada en Bangkok nos sumerge en un thriller de violencia y corrupción urbana. Sus escenas de enfrentamiento cara a cara han extasiado a los amantes del género, que han reconocido a talentos asiáticos de la talla de Joe Taslim y Miao Xie. Y como no podría ser de otra forma, el día que entregamos un Premio Nosferatu al veterano Hugo Stiglitz, protagonista de un clásico monstruoso como La invasión de los zombies atómicos, ha llegado a la pantalla un nuevo cuento apocalíptico que aporta cierta frescura a la infinita narrativa de muertos que salen de la tumba. Se trata de We Bury the Dead, obra del director australiano Zak Hilditch con Daisy Ridley como cabeza de cartel. Todo esto, en la misma jornada en que cientos de personas han participado en la Zombie Walk 2025 invadiendo el pueblo y contagiando las calles de la ciudad de un espíritu lúdico. |
|  | La noche de las brujas Apasionado por las leyendas de la noche, sus espíritus y brujas, el director Paul Urkijo Alijo, amigo y criatura de esta casa, nos ha regalado el estreno mundial de su tercer largometraje como director y guionista. Gaua amplía el universo mitológico que este director nacido en Vitoria-Gasteiz ha ido tejiendo desde el 2010 con propuestas filmadas en euskera que absorben leyendas del folclore de su país natal como Errementari. El herrero y el diablo e Irati, ambas proyectadas en Sitges. La primera, loable debut de Urkijo, reescribía su cuento favorito de infancia desatando un imaginario de fábula en clave política a través de un hermoso eusquera alavés del siglo XIX. La segunda, ganadora del Premio del Público y Mejores efectos especiales en Sitges 2022, bien podría definirse como la Excalibur vasca. Su poderoso relato de aventura medieval a medio camino entre la magia y el romance se desplegaba como una hermosa oda a la memoria de la naturaleza que protagonizó un épico Eneko Sagardoy. Hoy, Urkijo ha vuelto al reinado de Sitges como un guerrero a caballo después de la batalla. Gaua es su nuevo largo en el Festival y el resultado es impresionante. Volvemos al folclore, pero esta vez la cámara se dirige hacia las brujas, leyendas y espíritus de la noche para “darle la vuelta al sentido original del aquelarre” –en sintonía con la herencia literaria del siglo XX– como “gran mentira de la Inquisición española para reprimir territorios en el siglo XVIII”, según ha detallado en rueda de prensa. La película nos traslada a una época de cacería de brujas. Kattalin, la joven que interpreta Yune Nogueiras, huye de su marido en mitad de la noche abandonando el caserío donde vive. Perdida en la negrura del bosque, siente una presencia que la persigue y acaba encontrándose con tres mujeres, interpretadas por Elena Irureta, Ane Gabaraín e Iñake Irastorza, que están lavando la ropa junto al río mientras comparten cuentos y habladurías menos inofensivas de lo que parecen. A partir de esta premisa, Urkijo ha construido otra maravilla de folk horror hablada en eusquera. El cineasta ha recordado su predilección por la mitología pagana frente a la cristiana, la importancia de filmar en “localizaciones naturales de Euskadi”, aprovechando “las sombras reales y orgánicas de los árboles” en escenas de atmósfera feérica. También ha aclarado que el guion de Gaua aprovecha distintas leyendas para concebir un relato no lineal dividido en capítulos. Kattalin emprende un viaje minado por “la represión de la masculinidad más cavernaria” donde no faltan Inguma, el dios de los sueños que “se cuela en la casa del durmiente y lo ataca como el íncubo de La pesadilla de Fussli”, o Mari, “diosa de la fertilidad, madre y señora de la naturaleza”. |
|  | Los terrores del cuerpo Las fábulas son una oportunidad para transformar la narrativa femenina. Consciente de ello, la directora noruega Emilie Blichfeldt ha concebido una brillante ópera prima que replantea el cuento de hadas tradicional a través de una brutal sátira en consonancia con la vocación feminista de La sustancia de Coralie Fargeat, no exenta de los terrores del cuerpo. Nominada en la última edición de la Berlinale y triunfadora en la sección de medianoche del Festival de Sundance, La hermanastra fea es una siniestra revisión de La cenicienta que le da la vuelta al relato popular. De esta forma, se desplaza el foco de la famosa princesa, idealizada en el clásico onírico de Disney, a su hermanastra Elvira, obsesionada en convertirse en la joven más bonita y deseada del reino. La actriz noruega Lea Myren interpreta a la protagonista de esta salvaje historia de autodescubrimiento –ideada durante una siesta creativa– que, como ha compartido la directora, “propone un punto de vista distinto que nos permita redefinir el arquetipo original.” Blichfeldt ha pronunciado un sólido discurso en torno “a la tiranía de la belleza” y al hecho de que, durante siglos, “ha imperado una idea cultural de la mujer como objeto cosificado por los hombres” que todavía es muy fuerte en nuestra época, marcada por el patriarcado y “una industria que ha secuestrado nuestra propia mirada y capitaliza nuestras inseguridades”. La directora ha añadido que, “aunque Elvira sea un personaje del siglo XVII, podemos sentirnos representadas en ella, porque sigue hablando de la presión social que las mujeres sienten hoy en día.” No obstante, Blichfeldt, en su apuesta por un relato en defensa de la sororidad, también ha remarcado lo fundamental que es el sentido del humor para sobrevivir a las exigencias del patriarcado. “Es importante reírse de lo que nos preocupa. El humor nos permite tomar distancia sobre aquello que nos preocupa y hay algo de catarsis en esto”. |
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 | Vibrante domingo vampírico contra el estigma social |
| El Auditorio se ha teñido de rosa con la llegada de Eduardo Casanova. El director de títulos tan subversivos como Pieles o La Piedad, presentada en Sitges 2022, ha levantado pasiones con su maravillosa nueva propuesta. Silencio no sólo es una oda a favor de la marginación y la alteridad. También es puro cine queer contra la serofobia. Por otra parte, Sitges ha vibrado con la llegada de películas tan estimulantes como Decorado de Alberto Vázquez, Exit 8 de Genki Kawamura, Singular de Alberto Gastesi o La vida de Chuck de Mike Flanagan. |
|  | Vampiras contra el estigma del VIH Radical, punzante y subversiva, pero también humanista e inclinada hacia las formas más retorcidas de la belleza, la obra de Eduardo Casanova es una oda colosal a favor de la diferencia que no tiene miedo en filmarla de frente e impregnarla de rosa pastel. Desde Pieles, su feroz ópera prima sobre identidades marginales y cuerpos no normativos, hasta títulos de una audacia tan perturbadora y asfixiante como La piedad, presentada en Sitges 2022, y Al margen, uno de los documentales más contundentes sobre la salud mental de los últimos años; Casanova se ha erigido como uno de los autores más radicales del panorama español en su reivindicación de las alteridades, poseído por la rebeldía de maestros como John Waters o el primer Pedro Almodóvar. Hoy, Casanova ha vuelto a Sitges como una estrella del punk, acompañado de su gran equipo de creadoras, para presentar su nueva maravilla. Presentada en Sección Oficial Fantàstic, Silencio es una barroca tragicomedia queer contra la serofobia, narrada en formato miniserie, sobre unas hermanas vampiras que sobreviven como pueden a la escasez de “sangre humana limpia” debido a los estragos que está causando la peste negra en Europa. Siglos después, una de ellas se enfrenta a la pandemia del sida en España, estigmatizada como la “peste rosa de los 80”, una expresión que a Casanova le gustaría reivindicar como símbolo de empoderamiento. El VIH, según ha expresado el director en una rueda de prensa que ha contado con la participación de Leticia Dolera y Jordi Évole, “es una pandemia que no ha acabado y que mantiene silenciadas a muchas personas en la actualidad.” Casanova ha agregado que “cuesta mucho para las personas que lo sufren romper el tabú y salir del armario”, además de referirse a la triste noticia de que, actualmente, existen varios países donde las personas seropositivas no pueden viajar. De alguna forma, Casanova espera y desea que, con el estreno en Movistar Plus+ de Silencio el próximo 1 de diciembre, Día Mundial de la Lucha contra el Sida, su nueva producción pueda “dar arrojo a las personas que lo sufren.” No por casualidad, el extravagante maquillaje que lucen las protagonistas, interpretadas por talentos de la talla de Lucía Díez, María León o Ana Polvorosa, se inspira, según ha confirmado, en el cambio físico que sufren algunas personas afectadas por el VIH. |
|  | Un pueblo llamado Dante’s Freak Rodeado de fans de todas las edades, el maestro Joe Dante, canon indispensable de las comedias de terror de los años ochenta y noventa, ha vuelto al Festival que lleva celebrando su filmografía desde hace décadas como gran pilar del cine fantástico. Su deliciosa gamberrada Pequeños guerreros ganó en 1998 los premios de Mejores efectos especiales y Mejor BSO. Dante volvió a Sitges hace años para recibir la Màquina del Temps y ahora regresa como gran padre de algunas de las criaturas más icónicas del cine contemporáneo para ser honrado de nuevo, como ya anunciamos, con el Gran Premio Honorífico. Ovacionado por el público del Auditorio, el director ha agradecido el galardón a un Festival que lo acompaña desde hace décadas. Acto seguido, se han apagado las luces para exhibir una de las propuestas más gamificadas de este año. Se trata del claustrofóbico thriller de bucles temporales Exit 8, dirigido por Genki Kawamura y protagonizado por un reparto íntegramente japonés, que se inspira en el original videojuego homónimo de escenario único que ganó el premio como propuesta revelación en los Japan Games Awards de 2024. El interminable pasadizo subterráneo que el jugador o la jugadora debía transitar en el juego, siempre atento a cualquier anomalía que se pudiera encontrar en el camino, se ha convertido en esta fascinante película de ciencia-ficción minimalista. Con Exit 8, bien podríamos hablar de la próxima obra de culto nipona. Según Kawamura, el guion “se reescribía en el mismo set de rodaje, entre escena y escena.” El objetivo ha consistido en trasladar a la puesta en escena el espíritu de los mejores videojuegos, esos que “se disfrutan jugando y viendo cómo se juega.” Para más inri, Exit 8 está distribuida por la icónica Toho, responsable de clásicos como Akira o Los siete samuráis, y ha desconcertado a los espectadores en su forma de abordar el terror como espacio liminar con ecos a la geométrica Cube de Vincenzo Natali. |
|  | Algo se pudre en Tasmania Para Zak Hilditch, el terror y el drama son dos caras de la misma moneda. Su emocionante We Bury the Dead ha sorprendido gratamente a los asistentes que sólo esperaban una experiencia sangrienta de zombis; un subgénero al que, en palabras del propio Hilditch, “es muy difícil añadir algún elemento nuevo.” No obstante, el director y guionista australiano ha sabido aprovechar la dimensión íntima y redentora del relato que cuenta en una Tasmania apocalíptica donde un experimento fallido del ejército ha provocado la muerte de cientos de personas. La joven viuda que encarna Daisy Ridley busca a su marido desaparecido en medio de la catástrofe. Según ha confesado Hilditch, la película “descansa sobre los hombros de Ridley”, encumbrada heroína de la última trilogía de Star Wars que, en esta ocasión, interpreta a una superviviente en pleno duelo en escenas que fluctúan entre la tensión que provocan los muertos vivientes como la tristeza que se desatan en espacios interiores. No por casualidad, las bases de esta sangrienta historia, donde “la muerte está por todas partes”, parten de una vivencia del director, que en 2017 perdió a un ser querido y sabe lo que significa “empaquetar los recuerdos de toda una vida” en las estancias de una casa vacía, como un “proceso catártico”. La escritura de We Bury the Dead se impregna de estas emociones para construir un drama familiar de terror que, a pesar de todas las muertes que alberga, manifiesta un poderoso deseo por la vida. |
|  | Las potencialidades de la IA Contaba esta mañana Patricia López Arnaiz que leer por primera vez el guion de Singular fue “como un viaje sensorial, como un aroma que perdura pasados los días y deja impronta.” Algo parecido le ocurrió a Javier Rey, que “volvía al texto una y otra vez para descubrir nuevas lecturas.” Con estas declaraciones de actriz y actor protagonistas ha empezado la rueda de prensa sobre la intrigante nueva película del director Alberto Gastesi, que ha confesado su inquietud por abordar el proyecto como “una experiencia lúdica a través del thriller psicológico y la ciencia-ficción, jugando con sus códigos para darles la vuelta.” Arnaiz y Rey interpretan a una expareja que decide reencontrarse en una antigua casa del lago doce años después de la muerte de su hijo. Ella, especialista en inteligencia artificial, y él, un hombre alejado de la civilización, se enfrentan a la llegada inesperada de un enigmático joven que sacará a la luz antiguos secretos. Lo más interesante de esta premisa es que, debajo de su apariencia, se esconde un verdadero laberinto narrativo coescrito entre Gastesi y “su compañero de baile”, el guionista Álex Merino, donde la ciencia-ficción se acaba revelando “como aparición maravillosa” en una propuesta que, según ha confesado el director, aprovecha la idea del bucle y la obsesión inspirándose en la obra de Ray Bradbury, la extrañeza que hay en Reencarnación de Jonathan Glazer y el manejo de la intriga y la atmósfera de Kiyoshi Kurosawa en la magnífica Cure. Singular es una película que cuenta con la participación de RTVE, coproducida entre España y Finlandia y con la presencia de Miguel Iriarte e Iñigo Gastesi en el reparto. |
|  | El show de Vázquez “Es un error considerar el corto como el paso previo a un largo. De hecho, es el medio más adecuado para la animación”. Así se ha pronunciado el director y guionista Alberto Vázquez, autor de trabajos tan exquisitos como Bird Boy o Psiconautas, el día en que ha presentado Decorado, su esperadísimo tercer largometraje animado coescrito con Francesc Xavier Manuel Ruiz que amplía el universo narrativo de su propio cortometraje homónimo, ganador del Goya en 2016. La película confirma la inventiva de este multipremiado cineasta como una de las voces más singulares del actual panorama fantástico en lo que a identidad de estilo se refiere. La audacia de sus relatos y personajes, acompañados de una fuerte carga metafórica a nivel político y social, han situado a Vázquez como gran autor de la animación para adultos con las puertas siempre abiertas en el Festival de Sitges. Decorado nos sitúa así en la densa mirada de Arnold, un ratón de mediana edad atrapado en una crisis existencial que empieza a sospechar que su entorno, en realidad, es una gran farsa. A medio camino entre el diseño clásico y moderno de personajes, entre Mickey Mouse y una revisión contemporánea del fantasma y el monstruo, Vázquez ha conjurado distintas mitologías para firmar un fascinante relato de autodescubrimiento donde los misterios de la otredad se entremezclan con la comedia negra. En otras palabras, Decorado es “un viaje de paranoia cotidiana en una huida desesperada hacia algo que se parezca, aunque sea un poco, a la libertad.” Este decisivo retrato sobre la melancolía permite a Vázquez explorar la búsqueda del amor en una sociedad donde la gente lleva máscara para relacionarse. Si en la descarnada fábula antibélica Unicorn Wars, ganadora del Goya y presentada en Sitges 2022, se denunciaba “la fe y la religión como herramientas de control” en un mundo salvajemente apocalíptico, su nueva película se sirve de la narrativa distópica en la tradición orwelliana y en un clásico como El show de Truman para defender el paisaje íntimo que existe en cada uno de nosotros. |
|  | Fantasmas italianos, bucles temporales y el mejor bailoteo del año Asimismo, el intenso domingo que nos asiste ha servido para celebrar títulos distanciados entre sí, pero unidos bajo el mismo amparo del Festival. La vida de Chuck, dirigida por Mike Flanagan, adapta la novela homónima de Stephen King sobre tres historias que giran en torno al hipnótico personaje de Charles Krantz que interpreta un desmelenado Tom Hiddleston, protagonista de la mejor escena de baile callejero de este año. Y de Estados Unidos nos hemos ido hasta Canadá, para disfrutar por fin de una película que fue impulsada justamente por nuestro Festival a través de la iniciativa Sitges FanPitch. Dirigido por Deanna Milligan y Ramsey Fendall, Lucid es un estimulante viaje onírico filmado en 35 mm y Super-8 sobre una estudiante de arte que decide combatir su bloqueo artístico con un elixir mágico que genera sueños lúcidos. No obstante, este brebaje también libera monstruosidades oscuras que habitan el subconsciente. La sesión, celebrada con éxito de público en la Sala Escorxador, ha contado con la presencia del tándem directivo junto con las actrices Caitlin Acken Taylor y Jo Gaffney, que han celebrado un Q&A después de la proyección respondiendo preguntas sobre el proceso de filmación y montaje. Igualmente destacable ha sido el pase de Lo spettro, presentada por el productor David Gregory en una versión restaurada que ha llevado a cabo Severin Films. Esta rareza del cine italiano de los sesenta, dirigida por Riccardo Freda y protagonizada por Barbara Steele, eterna musa de Roger Corman en El péndulo de la muerte y de Mario Bava en La máscara del demonio, ha maravillado al público más cinéfilo de Sitges con un delicioso cuento de fantasmas.
 | Mr. K y Dominique Pinon,Méliès de Oro 2025 |
| Por octavo año consecutivo, El SITGES – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña ha acogido la ceremonia que libra los Premios Méliès de Oro, que otorga anualmente la Federación Internacional de Festivales de Méliès en reconocimiento al mejor largometraje y cortometraje del fantástico europeo del último año. |
|  | En esta edición, el jurado, formado por Daniela Urzola, Josep Maria Bunyol y Antonio Weinrichter, ha otorgado el galardón a Mr. K, un cuento kafkiano sobre el absurdo de la vida que firma la directora noruega Tallulah Hazekamp Schwab y protagoniza un virtuoso Crispin Glover. Seguidamente, el premio al mejor corto ha sido para Don’t be afraid, dirigido por Mats Udd, un original cuento de fantasmas sobre un fotógrafo deprimido que intenta volver a su trabajo con unas imágenes tomadas en el mismo lugar donde su hijo desapareció tiempo atrás. Durante el transcurso de la gala, el Festival de Sitges ha destacado la trayectoria de Dominique Pinon con el Premio Méliès Career. El Auditorio del Meliá ha recibido al actor galo con una calurosa bienvenida. La filmografía del director Jean-Pierre Jeunet no sería la misma sin la magia que Pinon ha desatado en pantalla adaptándose a distintos registros en títulos como Amélie o la truculenta Alien: Resurrección. No obstante, la presencia de este gran animal escénico se puede detectar en distintas filmografías de autor. De Claude Lelouch (Roman de gare) y Roman Polanski (Frenético) a directores consagrados del cine español como Álex de la Iglesia (Los crímenes de Oxford), Javier Fesser (La gran aventura de Mortadelo y Filemón) y Kike Maíllo (Cosmética del enemigo). Con el Premio Méliès en la mano, el veterano actor ha recordado momentos emotivos de infancia, algunos de ellos en Blanes, Tordera y Lloret de Mar, incluso el día en que el primer hombre llegó a la Luna, ese querido astro en el que Georges Méliès estrelló una nave en 1902. Los premios de la gala Méliès de Oro son otorgados por la Federación Internacional de Festivales Méliès, una red de 29 certámenes de cine en 21 países distintos con una afluencia mundial de más de 900.000 visitantes, razón por la cual es una gran fuerza económica y cultural en el panorama del cine fantástico contemporáneo. Esto ayuda a promover producciones cinematográficas de Europa a escala global, mejorando su visibilidad y posicionamiento entre el público y dentro del sector, a la vez que se fomenta su distribución. La entrega de este lunes se ha celebrado antes de proyectarse Balearic, un genuino thriller de estética underground dirigido por Ion de Sosa, una de las voces más carismáticas del nuevo cine español, responsable de la personalísima Mamántula, que ahora nos traslada a una Mallorca veraniega y decadente donde cuatro jóvenes sufren el acoso de unos perros en la piscina de una enorme mansión de dueños ausentes. El reparto cuenta con Christina Rosenvinge, Luka Peros, un talento emergente como Elías Hwidar y dos de los coguionistas de la película, Julián Génisson y Lorena Iglesias.
 | Titánico Cumberbatch,Màquina del Temps 2025 |
| Seguimos celebrando el cine fantástico en toda su naturaleza. Un siniestro cuervo ha entrado en el Auditorio del Meliá para hablarnos del duelo, mientras los recuerdos de un ex espía en un solitario hotel de la Costa Azul han invocado los fantasmas del mejor giallo europeo. Todo ello, en una jornada que ha aplaudido durante varios minutos la llegada del actor Benedict Cumberbatch, que ha sido condecorado con el Premio Máquina del Temps. Paralelamente, nos ha visitado una de las grandes voces del nuevo cine español. Estamos hablando de Ion de Sosa, que ha presentado Balearic, un thriller de exquisita puesta en escena. |
| | Màquina del Temps para un coloso británico de la interpretación Colosal Sherlock de la BBC, imperial Khan de Star Trek, brujo carismático de Marvel capaz de emerger de su propia tumba y voz tenebrosa del enorme Smaug en la trilogía del Hobbit de Peter Jackson, el actor británico Benedict Cumberbatch exuda pasión y carisma por cada uno de sus poros. Nada más empezar la segunda semana del Festival de Sitges, la llegada de Cumberbatch ha atraído todas las miradas en la jornada de presentación de Esa cosa con alas, el encomiable debut del también británico Dylan Southern, que adapta una de las novelas más aclamadas de los últimos años, escrita por Max Porter. En el encounter híbrido celebrado esta tarde con la presencia de actor y director ante un público mitad fan mitad periodista, el aclamado actor de The Imitation Game ha compartido su intenso proceso para conectar con el duelo y la redención en un drama psicológico de dimensión metafórica donde encarna a un padre de familia que ha perdido repentinamente a su esposa y trata de mantener el equilibrio en su casa, donde vive con dos hijos pequeños, interpretados por los hermanos Richard Boxall y Henry Boxall. El problema es que el dolor que siente el padre es tan fuerte, tan intenso, que un siniestro cuervo se acaba infiltrando en la casa donde viven. Con esta metáfora sobre el tránsito del duelo, el director ha expresado la importancia de que el elemento monstruoso no estuviera generado por ordenador, sino que fuera tangible, construido por distintos talentos profesionales”. Esto, según ha añadido Cumberbatch, permitía “una mayor interacción en rodaje”. Aunque la apariencia gigantesca del cuervo “planteaba una gran dificultad” para conectar con la tristeza ante un ser querido, también abría la posibilidad de dialogar en escena de una forma más física que abstracta. Asimismo, Cumberbatch ha contado lo importante que es para él “formar parte de un proyecto desde el inicio, porque se pueden ver todos los procesos antes de su estreno”, ya sea “una obra de teatro, una producción de Hollywood o una ficción sonora”, además de su faceta como productor con vocación de impulsar nuevos talentos en la industria cinematográfica.” Por su parte, Southern, un director al que conviene seguir la pista en el terreno del cine fantástico, ha compartido que, diez años atrás, leyó la novela de Porter en la que se inspira la película y quedó marcado por la forma en que “aborda el duelo de una forma tan directa y honesta, evitando el sentimentalismo” sin renunciar a la violencia e incluso a la fealdad para contar “una historia llena de caos y rabia al servicio de la verdad”. Southern, incluso, ha revelado que la lectura del libro “desbloqueó emociones profundas” sobre la pérdida de dos amigos que sufrió tiempo atrás. A veces, la literatura y el cine poseen la fuerza para exorcizar recuerdos. Esa cosa con alas expresa esa pulsión. Su pase en Sitges, después de la entrega del Premio Màquina del Temps a un pletórico Cumberbatch, ha resultado reparador para más de un espectador, que ha encontrado en su trama y su poderoso despliegue visual una forma terapéutica de cine fantástico. |
|  | Una gran aventura en miniatura Cuentan las voces más veteranas de la prensa que Jack Arnold, uno de los grandes directores de la serie B norteamericana, visitó el cine Retiro de Sitges a finales de los años 90. Hoy, el espíritu de Arnold, padre de clásicos como La mujer y el monstruo o Tarántula, ha estado muy presente durante la presentación de una película perfecta para invocar las posibilidades del cine fantástico en todo su esplendor. El hombre menguante, producción gala dirigida por Jan Kounen, no es exactamente un remake de la totémica El increíble hombre menguante que Arnold dirigió en 1957, sino una nueva adaptación de la novela homónima de Richard Matheson sobre la aventura existencial de un hombre enfrentado a la pesadilla de comprobar que su cuerpo empieza a disminuir inexorablemente. El ganador del Oscar por The Artist, Jean Dujardin, que ha venido a Sitges en compañía del director, traslada al contexto de nuestro tiempo las ansiedades que el actor estadounidense Grant Williams encarnaba en la película original hace más de medio siglo en una época de Guerra Fría y paranoia nuclear. “Creo que todos arrastramos algún trauma a lo largo de nuestra vida”, ha confesado Dujardin ante los medios, “y queremos procesarlo.” De algún modo, el problema al que se enfrenta el padre de familia que encarna el actor francés en la película bien podría ser la metáfora de “algo tan universal como la soledad.” Por su parte, Kounen, ha compartido el reto que supuso readaptar la novela de Matheson “como Guillermo del Toro con su nuevo Frankenstein” en un relato coescrito con Christophe Deslandes. En cuanto a los trucajes de puesta en escena, el director de Doberman ha explicado el proceso de filmar con cámara de captura de movimiento y la dificultad que ha implicado “grabar escenas en un mismo decorado a distintas escalas” en un “rodaje quirúrgico” que resultó ser “un verdadero tour de force” en una casa que se convierte en catedral desde el punto de vista de un empequeñecido Dujardin. Asimismo, el equipo de El hombre menguante ha destacado la banda sonora de Alexandre Desplat, que se despliega a medio camino entre la composición dramática y el cartoon en una propuesta sobre “las fuerzas de vivir y tomar conciencia”, distinguida por unos fabulosos efectos especiales, perfectos para disfrutar en pantalla grande. |
|  | Sitges sigue apostando por el nuevo cine español Cineasta a contracorriente de marcada estética underground, Ion de Sosa es una de las voces más singulares del cine español contemporáneo, autor de propuestas tan genuinas en su despliegue formal y narrativo como la personalísima adaptación que hizo de Blade Runner en su radical debut, Sueñan los androides, o la sorprendente Mamántula. En este último trabajo, nominado al Goya en 2023, De Sosa reinterpretaba el thriller detectivesco con mirada queer en un delirante cuento de dúo policial en busca de alienígena depredador donde las pecas de una espalda parecían estrellas y los órganos de un cuerpo desparramado por el suelo celebraban la materia orgánica del monstruo que llevamos dentro. De Sosa ha llegado a Sitges, acompañado de su alma gemela en la producción, Leire Apellániz, para presentar la sensacional Balearic, su tercer largometraje como director y guionista, un trabajo de puesta en escena exquisita, filmado en una relación de aspecto anamórfica de 2:40 que ha ofrecido al público del Auditorio del Meliá una experiencia visual amplia e inmersiva. Nominada en Locarno, esta fábula siniestra de oscuridad mediterránea filmada con luz natural está dividida en dos partes. En una Mallorca fastuosa y alienada, un grupo de jóvenes se ve atrapado en la piscina de una enorme mansión de dueños ausentes, custodiada por tres violentos perros, mientras la clase más adinerada celebra una fiesta cercana en una burbuja de lujo y decadencia. El cineasta ha confesado que empezó a escribir esta historia en el 2019, adentrándose en la crisis de los cuarenta, y que se ha acabado convirtiendo en “una buena ensalada de guionistas y referentes.” Nombres tan relevantes del nuevo cine español con marcada tendencia posmoderna como Julián Génisson, Lorena Iglesias, Chema García Ibarra y Burnin’ Percebes, han contribuido a desarrollar el libreto de Balearic, un cuento opresivo de terror veraniego que cuenta, entre su reparto, con Christina Rosenvinge, Luka Peros, el alienígena de Mamántula, Moisés Richart, y una serie de talentos emergentes como Elías Hwidar y Paula Gala, presentes hoy en rueda de prensa, que han expresado su enorme satisfacción trabajando con De Sosa, un cineasta capaz de “romper las reglas en un mundo donde las plataformas hacen un producto cada vez más generalizado.” El director donostiarra ha confirmado que la clase alta que retrata “está caricaturizada” aunque la película acaba abordando problemas tan universales como la división de clases y el egoísmo de las élites. También ha citado como referentes clave el absurdo de Luis Buñuel en El ángel exterminador, “los expresivos rostros de la novela gráfica Agujero negro de Charles Burns” y esa idea tan presente en La zona de interés de Jonathan Glazer, donde “el mal está a la vuelta de la esquina.” Todos estos elementos conforman la naturaleza de un cine fresco, valiente y formalmente hipnótico por el que Sitges apuesta con firmeza en su heterogéneo programa de películas en Sección Oficial a Competición. |
|  | Un campamento siniestro, un espía solitario y venganza en el sur de Chile Paralelamente, la estimulante jornada de hoy ha acogido la presentación de tres propuestas que plantean distintas formas de abordar el género. The Plague es una coproducción entre Australia, Emiratos Árabes, Estados Unidos y Rumanía, firmada por el director Charlie Polinger, sobre la oprimente situación de Ben, un un preadolescente de doce años, interpretado por el joven Everett Blunck, que trata de adaptarse a las dinámicas jerárquicas de un campamento de waterpolo masculino donde entra en conflicto interior con el acoso que sufre un compañero por el que siente una preocupación que no expresa. El actor australiano Joel Edgerton interpreta al único adulto en este relato de terror que destaca ante todo por la fuerza de sus interpretaciones infantiles. Por otra parte, desde Bélgica ha llegado el aclamado tándem de Amer, uno de los viajes sensoriales más poderosos del cine fantástico contemporáneo, ganador del Premio Noves Visions en 2009. Sus directores, Hélène Cattet y Bruno Forzani, han vuelto a Sitges con Reflection in a Dead Diamond, su nueva película, proyectada esta vez en Sección Oficial a Competición. A medio camino entre el cine europeo de agentes secretos y el giallo más formalista, esta joya neopulp de marcado revisionismo cinéfilo cuenta con un reparto integrado por nombres tan suculentos como los de Fabio Testi y María de Medeiros junto a otros talentos como Yannick Renier o Koen De Bouw. No menos importante es la propuesta chilena Todos los males. Dirigida por Nicolás Postiglione, que ha llegado a Sitges tras debutar con Inmersión, un thriller de espacios reducidos premiado en distintos festivales internacionales, su segundo largometraje nos traslada a la Valdivia, una región del sur de Chile, en los años cincuenta. Allí, Daniel, un niño que acaba de perder a su madre, empieza a vivir con los Riedel, la familia alemana de su padre, en un lugar aislado donde descubrirá oscuros secretos. Pistiglione aprovecha las posibilidades del relato para levantar un viaje de venganza que no dejará a nadie indiferente. |
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 | Comedia divertida y ciencia ficción paranoica en el sexto día |
| Parece que el espacio-tiempo se ha desgarrado en Sitges. El sexto día del Festival se llevó a cabo en medio de euforia y frenesí. La presentación de Bulk, la gran rareza de este año, contó con la presencia de su inclasificable director Ben Wheatley, una de las voces más genuinas del cine británico contemporáneo, que recibió el Premio Máquina del Tiempo. Sin embargo, la comedia más mordaz también se infiltró en el Meliá a través de la imponente No Other Choice, dirigida por el virtuoso Park Chan-wook. |
|  | Una sátira traviesa con pasaporte coreano Poseído por el lema de este año, que responde al lema "Risas y escalofríos", Park Chan-wook -creador de películas postmodernas seminales como la canónica Old Boy, ganadora del Premio al Mejor Largometraje en Sitges 2004, o la lunática Soy un cyborg, pero eso está bien, ganadora del Premio al Mejor Guión en 2006- puso fin a las toneladas de revuelo que se habían ido acumulando estos días en nuestro cine mediterráneo competencia previa a la esperada proyección de No Other Choice. Ganadora del premio People's Choice a la mejor película internacional en el Festival de Toronto y nominada al León de Oro de Venecia, esta refrescante comedia bien podría describirse como una de las grandes sensaciones de la programación de este año. Si a esto le sumamos que el público de Sitges ha asistido religiosamente a los estrenos de sus películas y ha elogiado su serpenteante carrera como director y guionista, la espera no podía alargarse más. Chan-wook, un hábil cirujano en perversión a través de ejercicios de meticulosa puesta en escena, con una cuidadosa atención al detalle, se atrevió a emprender una refrescante reelaboración de la novela homónima del escritor estadounidense Donald Westlake, ya adaptada por Costa-Gavras en la memorable y muy diferente The Ax. Dando un paso atrás, el director coreano vuelve a invocar las claves de su particular universo, que oscila hipnóticamente entre el orden y el caos, a través de una sátira traviesa y sangrienta contra el capitalismo salvaje, la sociedad digital y, en definitiva, las actitudes hipócritas. Después de trabajar durante veinticinco años en una empresa papelera, el joven Man-soo, interpretado por el carismático Lee Byung-hun, es despedido repentinamente. Su desempleo se prolonga, las semanas se convierten en meses y su desesperación por proteger a su familia lo llevará a idear un plan siniestro para acabar con la competencia. Vale la pena mencionar lo que sucede a continuación. Así lo expresó el público que tuvo la oportunidad de disfrutar de la última propuesta de Chan-wook, uno de los principales cineastas, en un Auditorio que estaba lleno hasta los topes. |
|  | Una rareza paranoica con sabor a lynch Un verdadero camaleón del cine de género, el cineasta británico Ben Wheatley ha dejado un rastro de logros notables en los géneros fantástico, de terror e incluso de comedia negra. Desde su atípico primer largometraje, el delirante thriller Down Terrace, hasta la fascinante Kill List, una exploración de las sectas populares presentada en Sitges 2011 y nominada al Méliès d'Or, la obra de Wheatley ha navegado por diferentes territorios. Es el hombre detrás de la excéntrica y alegre Sightseers -ganadora aquí en Sitges 2012 de los Premios al Mejor Guión y a la Mejor Actriz para Alice Lowe- y una parábola tan nihilista y escalofriante como High-Rise, que adaptó brillantemente la novela homónima del desafiante J. G. Ballard. Igualmente notable fue In the Earth, su anterior película proyectada en Sitges, un thriller psicológico ambientado durante una pandemia que mezclaba ingeniosamente el humor y el terror. Presentada en la Selección Oficial, Bulk es la nueva película de Wheatley después de aventurarse temporalmente en el cine comercial. En este sentido, propone un enfoque completo de regreso a lo básico para volver a su propia esencia. En otras palabras, se trata de una forma poco convencional de abordar el thriller como una estructura laberíntica con errores científicos, seres multidimensionales y puertas que conducen a otros mundos donde no es difícil encontrar ecos del cine de David Lynch. Podríamos describir fácilmente Bulk como una de las grandes rarezas fantásticas del año, pero también como una fascinante carta de amor al cine de bajo presupuesto que coquetea con la teoría de cuerdas sobre partículas subatómicas. En cuanto al elenco de este divertido experimento de ciencia ficción, las actuaciones de Noah Taylor, Alexandra Maria Lara, Sam Riley y Mark Monero son sobresalientes. Se unieron al cineasta en el jugoso Encuentro de esta tarde, compartiendo sus pensamientos sobre la libertad creativa y los desafíos financieros cuando se trata de hacer películas. El equipo también discutió el proceso de construcción de la película, su banda sonora inspirada en Ciudadano Kane y el diseño de los espectaculares créditos finales. En cualquier caso, la proyección de Bulk en el Auditorio Meliá fue el colofón perfecto para la entrega del Premio Máquina del Tiempo al genuino Ben Wheatley por haber creado una filmografía tan desconcertante como inclasificable en la producción cinematográfica británica contemporánea. |
|  | Venganza suburbana La numerosa tripulación de Luger entró en el Hotel Sitges Meliá como una banda de mercenarios de un spaghetti western. El director Bruno Martín, el coguionista Santiago Taboada, el compositor de bandas sonoras Levi Star, uno de los artistas habituales del Festival, Raúl Cerezo, en su papel de productor ejecutivo, y gran parte del reparto, protagonizado por los rudos David Sainz (Obra 67) y Mario Mayo (I'll Crush Y'all), acudieron al Festival para presentar esta sangrienta ópera prima independiente española nominada a Mejor Película en la sección Òrbita. El cartel ya es una declaración de intenciones. El arma que aparece abriendo fuego se refiere al título. La Luger fue el arma semiautomática utilizada por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Esta arma -también conocida como Parabellum, que en latín significa "Prepárate para la guerra"- es la sorpresa que Rafa y Tony, dos amigos con vidas turbulentas interpretados por Sainz y Mayo, descubren dentro de una caja fuerte en el maletero de un coche robado. Vender el arma en una casa de empeño es la peor decisión que podrían haber tomado. El líder de una banda criminal intentará recuperarlo a toda costa. Bruno Martín debuta como director y guionista de largometrajes de ficción, llevando su pasión por el cine de acción de la década de 1980 a "un microcosmos de los suburbios de Madrid", como reveló a la prensa. Luger aborda temas típicos de los westerns, como el honor y la venganza, para hablar de la hermandad matona, utilizando la premisa de una sola arma de fuego como fuente de tribulaciones en un entorno fronterizo, probablemente en la misma línea que clásicos inmortales como Winchester '73 de Anthony Mann y Stray Dog de Akira Kurosawa. |
|  | Psicodelia analógica y un secuestro en Bangkok A pocos minutos del centro neurálgico del Festival, que hoy también ha proyectado Honey Bunch, la nueva película de terror del dúo canadiense Madeleine Sims-Fewer y Dusty Mancinelli (Violation), Sitges continuó con su celebración incesante de las mejores películas de género de la temporada. El teatro Escorxador acogió a un numeroso público para la presentación de películas como CAMP, un terrorífico descenso al sentimiento de culpa del director canadiense Avalon Fast, y Anything That Moves, el nuevo ejercicio psicodélico dirigido por Alex Phillips (All Jacked Up y Full of Worms) a través de una deliciosa fotografía de 16 mm que nos transporta a un Chicago monstruoso donde un joven repartidor, interpretado por el recién llegado Hal Baum, se encuentra atrapado en una espiral de asesinatos y conspiraciones con la aparición estelar de dos divas de películas porno: Nina Hartley y Ginger Lynn. Mientras tanto, en el Cine Prado, los hilos de la angustia se tensaron mucho. Crushed es la nueva pieza del director británico Simon Rumley, que también estuvo presente en la sección Panorama de Sitges 2016 con Fashionista, y ahora compite en Òrbita, narrando el viaje de una familia que pone a prueba su fe y su resiliencia cuando su pequeña hija es secuestrada. Este thriller magnético, escrito por el propio Rumley, cuenta con un elenco internacional que incluye nombres como Sahajak Boonthanakit, Nadech Chatwin y Kevin Lea Davies.
 | Luc Besson presenta una revisión romántica del mito de Drácula |
| A Sitges le han salido colmillos en esta séptima jornada de Festival. El cineasta Luc Besson, referente galo del cine contemporáneo, ha presentado Drácula, nueva revisión romántica del mito de Bram Stoker con la actriz Zoë Bleu. Por su parte, el director de pasado periodístico Mark Anthony Green ha llegado con un debut bajo el brazo. La explosiva Opus no sólo es su primera película como director y guionista, también supone el regreso de leyendas de los ochenta y noventa como John Malkovich y Juliette Lewis. |
|  | Los peligros del universo fan Atentas y atentos a este nombre: Mark Anthony Green. Se trata de una de las nuevas voces del sello A24, que además de distribuir también produce Opus, su primer largometraje de ficción como director y guionista después de trazar una carrera como columnista y editor en la revista GQ. Dicho de otra forma, Green ha dado el salto de la moda al cine y lo ha hecho de la mejor forma posible. Su ópera prima nace a través de la productora que todos y todas envidian en Hollywood, responsable de películas de estética cuidada al detalle como Hereditary y La bruja, además de proezas que han logrado su victoria en los Oscar como la apabullante Todo a la vez en todas partes o la elegante ciencia ficción de Ex Machina. Opus cuenta con un reparto integrado por Ayo Edebiri, Amber Midthunder y Murray Bartlett junto a iconos del cine estadounidense como ese gran animal escénico llamado John Malkovich, rostro inimitable del teatro y el cine recordado por clásicos como La sombra del vampiro, En la línea de fuego o Cómo ser John Malkovich; y Juliette Lewis, mito de los años ochenta y noventa en hits de la talla de El cabo del miedo o Asesinos natos. Mark Anthony Green, presencia invitada de Sitges 2025, ha creado un escalofriante viaje que gira alrededor de la devoción extrema del universo fan ante las celebridades, también conocida como stan culture. En este contexto, Edebiri nos ha brindado una soberbia interpretación como periodista que accede a una comunidad inquietante. La actriz estadounidense, conocida en el mundo de las series, transita con naturalidad del registro cómico al terror, refrescando el arquetipo de la final girl en una historia de risas y gritos a medio camino entre el diseño artístico de Blink Twice y la incomodidad estival de Midsommar. En cuanto a las leyendas del reparto, ha sido un privilegio reencontrarnos a Lewis en la piel de una hilarante veterana de los medios y Malkovich como perfecto adversario desquiciado que encarna a un icono pop retirado en esta historia de final explosivo. |
|  | De Montevideo a Sitges Desde Uruguay regresa una figura del cine de terror latinoamericano que, fácilmente, podría pensar en este Festival como su segunda casa. El director y guionista de Montevideo, Gustavo Hernández, que debutó en Sitges en 2010 con La casa muda, ha presentado por la tarde en el Auditorio del Meliá junto con la actriz Ana Clara Guanco su nuevo cuento de terror. El susurro cuenta con la participación de Luciano Cáceres y Marcelo Michinaux –¿cómo olvidarnos del miedo que sentimos con este niño en la histérica Cuando acecha la maldad en 2023?– y ha sido la ración de cine gótico que estábamos esperando en el programa de la Sección Oficial mediante una trama de red criminal y maldición familiar. Con El susurro, Hernández rubrica su sexto largometraje de ficción en una filmografía que empezó con energía. Su ópera prima, filmada como un tour de force sin interrupciones en un plano de pura continuidad, generó un digno remake estadounidense –Silent House– protagonizado por Elizabeth Olsen. El director también ha trabajado con Belén Rueda en el terror gótico de No dormirás, premiada en el Festival de Málaga, y con Adriana Ugarte y Javier Gutiérrez en el thriller policíaco con asesino en serie Lobo feroz. |
|  | La otra cara del hombre del saco Cuando supimos que Colin Tilley había debutado en el cine de terror como director, una pregunta empezó a circular por nuestra mente. ¿Cómo se las apañará el responsable de videoclips de Karol G, Justin Bieber y Britney Spears para atraparnos con una historia efectiva? A la luz del resultado, Tilley no sólo lo ha conseguido, sino que lo hemos podido presenciar en Sitges, un Festival que siempre apuesta por impulsar el talento emergente. Eye for an Eye es la ópera prima de un director que deja a un lado los códigos comerciales del audiovisual musicado para construir un cuento de tensión adolescente protagonizado por Whitney Peak junto a S. Epatha Merkerson, Golda Rosheuvel y Finn Bennett, sobre el duelo que atraviesa Anna, una joven recién llegada a un pequeño pueblo de Florida para vivir con su abuela. Allí, aislada y en un entorno desconocido, se une a un grupo de jóvenes conflictivos y será testigo de un acto imperdonable. Tilley aprovecha el imaginario fantástico del boogeyman –representado de forma notable por James Wan en Expediente Warren: El caso Enfield– para abordar el peso de la culpa en torno al acoso en edad escolar adaptando la novela Mr. Sandman de la escritora Elisa Victoria, también coguionista del film. Asimismo, una de las atracciones de Eye for an Eye, según han confirmado algunos espectadores al salir del Auditorio, son “el uso inteligente del color y el sonido” a través de unos “paisajes oníricos desconcertantes.” Estas reacciones confirman a Tilley como promesa de futuro en el cine de terror. |
|  | Drácula, una historia de amor Ya es habitual que el público más escéptico vea con recelo la enésima llegada de un superhéroe encarnado por un nuevo actor en una época como la nuestra, marcada por el revisionismo constante. Más allá de este punto de vista, nunca ha sido así en el caso de Drácula, mito sangriento por excelencia que no necesita pedir permiso para entrar en los dominios de Sitges. Del clásico fúnebre de Tod Browning, protagonizado por un canónico Béla Lugosi, a la refrescante actualización del mito en formato serie creada por Mark Gattis y Stephen Moffat con un soberbio Claes Bang; el conde acuñado por Bram Stoker en 1897 ha pasado por infinitas mutaciones. Sólo en lo cinematográfico, la pátina erótica del Christopher Lee de la Hammer ha marcado un punto y aparte al igual que las versiones románticas de John Batham o Francis Ford Coppola, por no hablar del expresionismo apócrifo de F. W. Murnau y las revisiones de Nosferatu firmadas por Werner Herzog y Robert Eggers. Sobran los motivos para hablar de Drácula. Fue cabeza de cartel en 2017, cuando celebramos 50 años, y lo mínimo que podemos ofrecer este año es otra reescritura del famoso arquetipo. De hecho, ¡son tres las propuestas que nos visitan para dejarnos anémicos! La coproducción británica Abraham’s Boys: A Dracula Story, centrada en el trauma de Van Helsing, la anarquía paródica de Radu Jude y, por fin, el Drácula de Luc Besson. Consagrado como uno de los directores franceses más influyentes del gran cine de consumo, ganador en Sitges en 1983 por la distópica Kamikaze 1999; Besson ha firmado una versión del clásico de Bram Stoker que reemplaza Londres por París y prescinde de la carga erótica de anteriores entregas. Caleb Landry Jones encarna el monstruo que transita de lo inexpresivo a lo pasional, junto con Zoë Bleu desdoblándose entre los personajes de Mina y Elisabeta, o Christoph Waltz en la piel de un sacerdote que toma distancia respecto a Van Helsing. En una rueda de prensa y encounter colmada de asistentes, celebrada esta tarde, Besson y Bleu han remarcado la pulsión romántica que habita en Drácula, “una historia sobre el amor y la vida”, según ha declarado el director de El quinto elemento. Para él, lo más interesante de la mitología del personaje es la desesperación de un hombre durante 400 años. Partiendo de aquí, Besson ha escrito un relato sobre la posibilidad del cambio cuando se da todo por perdido. Por su parte, Bleu ha recordado a la icónica Winona Ryder en el clásico de Coppola, enfatizando que “necesitamos amor” en esta época porque “ya hay demasiada sangre vertida.” |
|  | De la acción finlandesa a la mística oriental Destacada en la última edición del Festival de Annecy, la película de animación Another World apuesta por una narrativa sorprendente en torno a un reino fantástico por el que transitan las almas después de la muerte con el riesgo de convertirse en monstruos. Dirige el prometedor Tommy Kai Chung Ng en una producción made in Hong Kong. Por otra parte, ha sido el turno de la producción noruega Dawning de Patrik Syversen, que lleva el sello de SpectreVision, la productora de Elijah Wood que está detrás de verdaderas piezas de neoculto como Mandy o Una chica vuelve a casa sola de noche. Nominada a Mejor Película en Noves Visions, Dawning nos ha sumergido en un relato de traumas compartidos donde tres hermanas llegan a una casa vacacional con oscuro secreto detrás de las paredes. Y al fin, pero no menos importante, la esperadísima secuela de la insólita triunfadora de Sitges en 2022, Sisu: Camino a la venganza supone el bienvenido regreso del director y el actor finlandeses Jalmari Helander y Jorma Tommila al terreno de la acción hiperbólica en la mejor tradición del slapstick sangriento. Sin duda, esta nueva entrega, más desenfrenada que la anterior, ha sido la ocasión perfecta para celebrar el cine de impactos como disfrute colectivo.
 | William Fichtner y Peter Chan, una doble victoria |
| En este segundo jueves del Festival, se entregaron dos premios a artistas internacionales. Peter Chan recibió el Gran Premio Honorífico, y William Fichtner recibió el Premio Máquina del Tiempo por su prolífica carrera en producciones audiovisuales contemporáneas. El primero, un gigante asiático del siglo XXI, ha ayudado a romper los límites entre las industrias cinematográficas asiáticas y occidentales. El segundo, un rostro indispensable en el cine y las series de televisión estadounidenses de los últimos treinta años, presentó Talamasca: The Secret Order, de Anne Rice. |
|  | Larga vida a un coloso del cine asiático Al mismo tiempo, el legendario productor Peter Chan también recibió el Gran Premio Honorífico el mismo día que presentó el thriller semiautobiográfico She Has No Name, su deslumbrante regreso a la dirección después de la epopeya deportiva Leap, estrenada en 2020. Con su visión humanista y emocional, las películas de Chan lo elevan como una de las figuras más versátiles de la escena asiática contemporánea. Su trayectoria profesional es la de un guerrero que comenzó en la época dorada de Hong Kong en la década de 1980 -con deliciosas comedias de la Golden Harvest Company como Armour of God y Wheels on Meals, rodadas en la Barcelona preolímpica- y se ha convertido en un creador esencial para romper las fronteras industriales entre el cine asiático y occidental. En She Has No Name, presentada en la sección Òrbita, Chan se adentra en el true crime en un melodrama protagonizado por Zhang Ziyi como un thriller que nos transporta al Shanghái de la década de 1940, en plena ocupación imperial japonesa, para contarnos la historia de uno de los casos de asesinato sin resolver más infames de la historia china. |
|  | El actor de los mil viajes Con más de setenta producciones en su haber, William Fichtner ha dejado atrás una filmografía llena de grandes éxitos. Se ha destacado tantas veces tanto en cine como en televisión: ¿recuerdas a ese gerente de banco que se enfrenta al Joker en la escena inicial del robo en The Dark Knight? - que la principal pregunta que deberíamos hacernos cuando se trata de un talento de su calibre no es en qué películas y series ha aparecido, sino en cuáles no. Desde largometrajes populares como Armageddon, The Perfect Storm, Black Hawk Down, Heat o Crash hasta series como Invasion o la famosa Prison Break, donde será recordado como el calculador agente del FBI Alexander Mahone, Fichtner incluso ha prestado su voz a Ken Rosenberg en un videojuego tan aclamado por la generación millennial como Grand Theft Auto: Vice City. En reconocimiento a su talento y a su importante presencia en la industria audiovisual estadounidense, el Festival de Sitges entregó a Fichtner el Premio Máquina del Tiempo en el Auditorio Meliá antes del estreno europeo de Talamasca: The Secret Order, de Anne Rice, una nueva serie sobre una misteriosa sociedad que investiga lo sobrenatural, que se estrena el domingo 26 de octubre en AMC+. Durante la charla de hoy con motivo de la presentación de la serie, William Fichtner y el veterano productor ejecutivo Mark Johnson (Donnie Brasco, Breaking Bad) confirmaron que se trata de "una historia de espías que expande el universo fantástico del escritor de Entrevista con el vampiro" con todo tipo de criaturas que habitan en los recovecos más oscuros de la noche. |
|  | La jungla de asfalto Sin duda, si hay algo que merece ser señalado cuando se habla de Park Hoon-jung, es su aura como creador único en el cine criminal contemporáneo. Este cineasta de la nueva ola del noir coreano es el artífice del guion de I Saw the Devil, dirigido por Kim Jee-woon, uno de los thrillers policíacos psicopáticos más apasionantes de las últimas décadas, así como el director de New World, un thriller brutal y peleador -proyectado en Sitges 2013- que brilla gracias a sus escenas de crudo y violencia primitiva, casi tribal, en una Corea turbulenta devastada por una profunda crisis de valores. Hoon-jung, que ha trabajado con grandes nombres del neo-noir asiático como los magníficos Choi Min-Sik (Old Boy, Lady Vengeance) y Lee Jung-jae (Squid Game), traslada ahora sus habituales historias de tensión en las calles a un contexto en el que "la ciudad se parece cada vez más a una jungla", tal y como afirmó en la rueda de prensa. Coproducida por Fine Cut (The Chaser) y presentada a concurso este jueves en la sección Òrbita, Tristes Tropiques sigue de cerca la sangrienta venganza llevada a cabo por un grupo de jóvenes asesinos en un brutal descenso a medio camino entre el ámbito urbano y el selvático. Hoon-jung también reveló las dificultades involucradas en filmar en los paisajes naturales de Tailandia, la necesidad de "adaptar el guión a un elenco de diferentes nacionalidades asiáticas" y su fuerte inspiración extraída del cine negro europeo y las películas de acción de Hollywood de las décadas de 1980 y 1990. Como sorpresa, antes de finalizar la conferencia de prensa, nuestro Director Artístico Ángel Sala anunció que hoy es el cumpleaños de Hong-jung, y la prensa asistente lo felicitó con un aplauso y cantando "Feliz cumpleaños". |
|  | Venganza en bucle El evento también sirvió como escaparate para un ingenioso thriller de ciencia ficción independiente realizado por tres hermanos. Los guionistas y productores de American Vandal y Cobra Kai, cocreadores de la fascinante ópera prima The Block Island Sound, Kevin McManus y Matthew McManus, han unido fuerzas una vez más en Redux Redux. La venganza de una madre, interpretada por Michaela McManus, tras la muerte de su hija, da forma al impulso obsesivo de esta emocionante historia ambientada en un pequeño pueblo de Estados Unidos de realidades paralelas. Antes de la proyección en el Auditorio, se proyectó un cortometraje de la ESCAC titulado Terapias y mazmorras , que trata sobre el que quizás sea el juego de rol más refrescante para parejas que atraviesan una crisis. Su director, Adrián Pachón, se enmarca en el compromiso de la Escuela de Cine y Audiovisuales de Cataluña con la promoción del talento emergente a nivel internacional en el marco del Festival de Sitges. |
|  | Una comedia con un sello de estilo Un maestro del humor vanguardista y extraño, Yorgos Lanthimos ha regresado al Festival que ha estado celebrando su cine desde 2009, el año de su inquietante Dogtooth. Sus películas son lo más parecido a un regalo sabrosamente envenenado, transportando las claves de la comedia negra a un terreno de perversa extrañeza. Lanthimos, premiado en Cannes por La langosta y La matanza de un ciervo sagrado, que también ganó el Premio de la Crítica en Sitges 2017, compone ahora otro circo de crueldad a través de un retrato cortante del negacionismo. Un remake gratuito de la delirante película coreana Save the Green Planet de Jang Joon-hwan, Bugonia se aleja del estilo barroco de la oscarizada Poor Creatures para seguir perfeccionando su inconfundible estilo en una pieza de cámara rodada con su habitual director de fotografía, Robbie Ryan, y protagonizada por la inmensa Emma Stone y Jesse Plemons. Desenfrenada y deslumbrante, Bugonia nos atrapa con el secuestro de una directora ejecutiva por parte de dos jóvenes obsesionados con la conspiración convencidos de que ella es una extraterrestre que quiere destruir el planeta. |
|  | Fantasmas en las Catskills Una pieza importante en la sección Panorama, Mother of Flies marca el regreso triunfal de Zelda Adams, Toby Poser y John Adams. Por tercera vez consecutiva, este trío de directores presenta una película en Sitges, tras las aclamadas Hell Hole y Where the Devil Roams. Su nuevo proyecto es un retorcido cuento de hadas sobre una mujer que recurre a la magia negra para lidiar con un diagnóstico terminal. Filmada en los bosques de Catskills, en el sureste de Nueva York, esta escalofriante historia de fantasmas sobre el dolor adolescente y el colapso espiritual ganó el Premio Cheval Noir a la Mejor Película en la última edición del Festival Fantasia. En una edición que destaca el cine más fantasmal, Mother of Flies sin duda ocupó un lugar central.
 | | ¿Cómo era la Barna preolímpica de 1984? ¡Que se lo pregunten a Peter Chan! El Gran Premio Honorífico de este año –junto con los de Terry Gilliam, Carmen Maura y Joe Dante– vivió con Jackie Chan para rodar Los supercamorristas. Han pasado más de cuarenta años y el productor se ha convertido en un coloso. Este año, presenta She Has No Name, su nuevo largometraje como director. Es una de tantas propuestas de Sitges como gran showcase del cine oriental. El jueves también es una buena fecha para otra Máquina del Tiempo. El actor William Fichtner ha sido condecorado por su fecunda trayectoria trabajando con directores como Kathryn Bigelow, Robert Zemeckis y Quentin Dupieux. | |  | | El prolífico guionista Joaquín Oristrell, director del documental Horror and Love proyectado en Sitges Documenta, ha sido el protagonista del encuentro celebrado en el marco Los jueves de DAMA, donde se han abordado los procesos creativos, retos de la industria y el papel de la autoría dentro de la ficción contemporánea. Dicho sea de paso, este programa coordinado por Carmen Fernández Villalba, que incluye charlas, entrevistas y cursos con la autoría como eje central, es una oportunidad para reforzar el vínculo entre profesionales de guión, dirección, traducción y otros departamentos de la producción audiovisual. En cuanto al invitado estrella de esta semana, Oristrell inició su trayectoria escribiendo en el mítico concurso Un, dos, tres... Es otra vez antes de consolidarse como guionista de gran capacidad para el trabajo en equipo y una voz fundamental de la comedia audiovisual. Su carrera cuenta con una treintena de libretos para el cine –Sin vergüenza, Novios, Entre las piernas, Éxtasis o El efecto mariposa– y una destacada trayectoria para la pequeña pantalla con títulos como Locos por la tele, Como la vida misma o Mayoría absoluta. En 1994, ganó el Goya al Mejor Guión por Todos los hombres son iguales y, en los últimos años, ha ampliado responsabilidades como director con proyectos que confirman su versatilidad y su mirada sobre el sector audiovisual. |
| | Las herramientas de la magia |
|  | ¿Qué se esconde detrás del trucaje del nuevo Drácula de Luc Besson? ¿Y de Los hombres lobo de François Uzan? La mesa redonda celebrada dentro del marco de Sitges Industry, "Crafting the Illusion: When VFX, SFX & MFX Unite", ha sido el espacio de diálogo del Festival sobre el proceso creativo y técnico que hay detrás de los efectos visuales en cine y televisión. Desde el maquillaje prostético hasta la animación digital. Moderada por el vicepresidente de TransPerfect, Jacques Barreau, la mesa ha contado con la participación del supervisor de efectos visuales en MPC Paris, Boris Kaufmann, y el artista de SFX y MFX en CLSFX Atelier, Nicolas Herlin. Durante la jornada, han compartido su visión sobre las disciplinas de make-up effects, visual effects y special effects –que trabajan juntas y por separado– durante las fases de producción y posproducción para crear mundos sorprendentes y escenas memorables. |
| | | | El abanico de posibilidades de la King Kong Area continúa aprobandose durante los últimos días del Festival. Este viernes 17 de octubre, la zona Meeting acoge la tercera sesión de Fantascurts de 18 a 19 h. y un Especial Fangofest de 21.30 a 22.30 h. Recuerde que en la Plaza Cataluña de Sitges también se proyectan Fantascurts de 20.30 a 21.30 h. En la sala del Mercat Vell, encabezando la sección Fantastic Teen del programa Sitges Family, se presenta un clásico del cine bastardo de los ochenta. Se trata de L'ultimo squalo, una secuela apócrifa de Tauró dirigida por Enzo G. Castellari, Premio Máquina del Tiempo 2025. En cuanto a los pódcasts en vivo y en directo, es el día de 'Pánico en la sala' y 'Mi oscuro relato' a partir de las 17 h. También continuamos maquillando a aquellos que se quedaron con ganas de lucir muerto tras el éxito de la Zombie Walk. A partir de las 16 h., podéis acercaros a la Fanshop y disfrutar de una sesión gratuita de maquillaje profesional para rendir homenaje, una vez más, a todas estas criaturas voraces con las que George A. Romero, Lucio Fulci y Danny Boyle imprimieron la leyenda. |
| | El andamido del Fantástico |
| | Entre criaturas fantásticas, efectos sorprendentes y pantallas que cobran vida, hay algo que no se ve, pero que se siente profundamente... Son las ganas de crear del alumnado de la FX Barcelona Film School, donde el cine fantástico no sólo se disfruta. ¡También se construye! Desde los efectos visuales hasta las áreas de dirección, guión o diseño de escenarios, este centro de formaciones especializadas es el portal cósmico hacia un futuro donde los jóvenes –y no tan jóvenes– pueden explicar, inventar y emocionar a través de sus propios relatos. ¿Estás interesada o interesado? Elige tu programa y facilita este código de descuento cuando hables con tu asesor académico: festivaldeSitges / FX2026. Recuerda que la próxima convocatoria se abre en marzo de 2026.
 | Triplete de premios la nochemás monstruosa |
| Mastodóntica jornada de galardones, encuentros, charlas y presentaciones. Sólo queda un día para conocer el palmarés de la 58ª edición, pero aquí, desde Sitges, seguimos ampliando los horizontes del Fantástico, viajando a nuevas realidades y navegando entre distintas dimensiones a través de películas como Obsession, un ejercicio de pura sabiduría cinematográfica, o el regreso del Raptor en Black Phone 2, que nos ha dejado clavados en la butaca. Todo ello, el día en que se ha premiado a Enzo G. Castellari, Terry Gilliam y Sean S. Cunningham. |
|  | It’s Alive! Mito clásico tantas veces revisado a lo largo de la historia del cine, desde la etapa muda hasta la contemporaneidad, la icónica criatura que regresó de ultratumba fruto de un experimento científico en la obra magna de Mary Shelley alcanza ahora una deslumbrante adaptación a través de la nueva superproducción de Guillermo del Toro. Frankenstein es su genuina revisión del moderno Prometeo a través de un guion escrito por el cineasta de títulos de absoluta cabecera como El laberinto del fauno o La forma del agua, que en 2017 inauguró Sitges por su 50 aniversario. Del Toro ha extasiado a buena parte del público, que ha podido compartir el amor que siente por lo monstruoso en esta flamante versión que cuenta con un reparto estelar integrado por Oscar Isaac en la piel del icónico Doctor –antes encarnado por astros como Peter Cushing o Colin Clive– y Jacob Elordi desplegando la condición inocente de la famosa criatura. Mia Goth y Christoph Waltz también participan en esta suculenta revisión del mito que recoge y transforma la herencia de Boris Karloff en el clásico de la Universal dirigido por James Whale en 1931. |
|  | Constructor de mundos La sesión de Frankenstein, celebrada esta noche en el Auditorio, ha sido especialmente memorable, pero no hubiera sido lo mismo sin la aparición de un gran mito del fantástico contemporáneo que ha subido al escenario justo antes de la proyección. Terry Gilliam, cineasta visionario de la locura y la épica excéntrica, Monty Python quijotesco y padre creativo de parábolas de lo político, social y religioso como 12 monos y El rey pescador ha vuelto al mismo Festival donde lo recordamos levantando el Premio Màquina del Temps en el año 2000. Este año, el mago británico ha regresado con su inconfundible carisma y sentido del humor para recibir el Gran Premio Honorífico ante un público que se ha rendido en aplausos. Emocionado, Gilliam ha agradecido el galardón ante una audiencia que ha crecido y madurado acompañada de sus grandiosas películas, siempre atentas al poder de las ideas, a la reflexión más allá de los límites de la pantalla, al poder de la denuncia que habita en una sátira cyberpunk tan distópica como Brazil, donde el cineasta describía un mundo sometido al autoritarismo tecnológico no tan alejado de las páginas más oscuras de la historia contemporánea. Gilliam también ha protagonizado un encounter donde ha bromeado que “no le gusta la fantasía” y que casi todas sus películas tratan sobre la imaginación, que, según él “no tiene normas”, luchando contra la realidad. También ha destacado los nuevos caminos de la animación contemporánea, tras su paso por el Festival de Annecy, su deseo frustrado de convertirse en director de animación de Disney y ha expresado su opinión sobre la necesidad de la imaginación pura en esta época de sobrecarga de estímulos. |
|  | Clown macabro Con su mirada de serpiente y sus dientes afilados, el payaso más temible del género nos ha invitado a visitar su siniestro pueblo sin billete de vuelta. Pennywise, el mito creado por Stephen King en 1986 y que Tim Curry encarnó en el clásico catódico de 1990, regresa a través del nuevo formato televisivo de nuestro tiempo con It: Bienvenidos a Derry, la terrorífica serie que funciona como precuela del díptico de películas estrenadas en 2017 y 2019 –It e It. Capítulo 2– que confirmó el talento de sus creadores, Bárbara Muschietti y Andy Muschietti, grandes invitados en la edición de este año, que han celebrado un encounter para presentar su nueva propuesta como productores ejecutivos. Siempre ubicado en primera línea de fuego, el Festival de Sitges ha presentado los primeros minutos de la serie, que se estrena en HBO Max el lunes 27 de octubre. Esta nueva historia nos sitúa en la América de los años 60 para ampliar el lore de Pennywise, sumergiendo al espectador en la forja diabólica del famoso monstruo que devora niños, interpretado una vez más por el inquietante Bill Skarsgård. |
|  | La llamada más oscura El Raptor vuelve a la carga. Black Phone 2 se ha infiltrado en el Auditorio para llevar a cabo su venganza de ultratumba. El director Scott Derrickson, responsable de grandes películas de terror que han dejado huella en el imaginario fantástico como El exorcismo de Emily Rose y Sinister, reinvoca el famoso hombre del saco de Colorado, protagonista oscuro de Black Phone, que en 2021 interpretó un maquiavélico Ethan Hawke como asesino de niños secuestrados en un relato escrito por Joe Hill, el hijo de Stephen King. Esta vez, Derrickson propone una secuela en forma de pesadilla surrealista tan juguetona con los códigos del cine de terror como exploradora de nuevas vías que amplían el mito original. Hawke vuelve a ponerse en la piel del Raptor, que quiere vengarse de Finn, interpretado nuevamente el actor Mason Thames, pero su nuevo objetivo es Gwen, su hermana pequeña, que Madeleine McGraw encarna por segunda vez en este slasher de raíz sobrenatural que ha provocado más de un susto en el Auditorio del Meliá. |
|  | Màquina del Temps para un maestro del exploitation Los aplausos han seguido apoderándose de Sitges en una jornada completísima, bien repleta de presencias históricas del universo cinematográfico. El consagrado director Enzo G. Castellari, figura clave del spaghetti western y el macaroni combat, ha sido homenajeado con el Premio Màquina del Temps por una carrera atravesada por la inventiva formal. Responsable de títulos de culto como Keoma o El último tiburón, Castellari ha sabido conjugar la épica popular con un estilo inconfundible que ha influido en multitud de generaciones posteriores. De hecho, la explosiva cinta de acción bélica Aquel maldito tren blindado –una de sus películas más recordadas en forma de revisión gamberra de Doce del patíbulo– se convirtió en ingrediente clave de la sopa posmoderna que Quentin Tarantino firmaría décadas después en la reverencial Malditos bastardos. Este guiño no es casual. Si algo nos permite el cine de Castellari es entender las raíces italianas del lenguaje del exploitation de los años 70 y 80 como imaginario fértil para entender la inclinación hacia la serie B que subyace debajo de buena parte de las mutaciones que se han producido en el cine contemporáneo. |
|  | Una leyenda del slasher Maestro de las mejores cuchilladas que se han perpetrado en la gran pantalla, Sean S. Cunningham ha recibido el Premio Màquina del Temps el mismo año en que Viernes 13 celebra 45 primaveras. Esta película de culto –cercana a la también canónica La noche de Halloween de John Carpenter– fue el reflejo monstruoso de la sociedad conservadora estadounidense y una de las piezas que propiciaron la explosión de películas de terror en la Norteamérica de los años 80. En la charla celebrada con multitud de fans, Cunningham, también productor de La última casa a la izquierda de Wes Craven, ha confesado que el gran éxito de la primera película sobre Jason Vorhees –y la fiebre de secuelas que acabó originando en una franquicia de hasta doce títulos– “fue una cuestión de suerte.” Con una recaudación de casi 40 millones de dólares, Viernes 13 demostró que se podían llenar las salas de cine rodando “sin estrellas, con poco presupuesto y una localización limitada.” Gracias a Cunningham, el sangriento campamento de Crystal Lake ocupa un lugar privilegiado en nuestra memoria cinéfila en la mejor tradición del jumpscare junto con la escena final de Carrie de Brian de Palma. Todo este imaginario sangriento y escalofriante ha sido la gran carta de presentación de un thriller francés en clave distópica dirigido por Cédric Jimenez que hemos podido disfrutar en el Auditorio. Chien 51 es una intriga de investigación policial protagonizada por Gilles Lellouche y Adèle Exarchopoulos –¡tantas veces vista en las pantallas de Sitges!– que nos sitúa en una París futurista controlada por la IA. |
|  | De la viñeta a la pantalla Finalmente, la comedia más desatada ha llegado de la mano de Rafaela y su loco mundo, la nueva serie original de Atresplayer creada por Aníbal Gómez a partir de su propia novela gráfica, El alucinante mundo de Rafaella Mozzarella. El actor y director despliega su imaginaria autoadaptación como una delirante historia de aventuras impregnada de humor absurdo a través de imágenes de marcado surrealismo que rinden homenaje a esa etapa de mutación existencial llamada adolescencia. La serie cuenta con un plantel de rostros nacionales de primer orden. Desde Joaquín Reyes, Carlos Areces y Aníbal Gómez hasta Ingrid Garcia-Jonsson, David Verdaguer o Arturo Valls. Todos ellos, presentes en la rueda de prensa celebrada en el Meliá de Sitges, han expresado su ilusión ante el estreno de esta propuesta de estética cuidada donde no es difícil que resuenen los diseños de producción del cine de Jean-Pierre Jeunet o Michel Gondry o incluso de las ilustraciones de Antonio Mingote. De hecho, Gómez ha confesado su inquietud ante el imaginario popular y su obsesión “con los decorados de El mago de Oz”, convirtiendo el espacio donde acontece la historia en “un personaje más de la función”. Valls ha agregado que Rafaela y su loco mundo “es el Sirat de las series”, refiriéndose al punto y aparte que esta producción marca jugando con el absurdo frente al resto de propuestas de nuestro tiempo. Asimismo, el director ha agradecido la supervisión del proyecto por parte de Ernesto Sevilla y ha defendido la mirada excéntrica de esta desatada comedia familiar, presentada este viernes en la sección Serial Sitges donde “el humor es el resultado de la pura diversión que hubo durante el rodaje”.
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